Seedance 2.5: kompletter Guide, Funktionen, Prompts und längeres Video

Seedance 2.5 ist ByteDances Videomodell der nächsten Generation. Es baut auf der Seedance-2.0-Reihe auf: längere native Takes, deutlich mehr Referenzen, nativer Ton in 10+ Sprachen. Die KI-Kamerasteuerung, für die die Reihe bekannt ist, bleibt dabei erhalten.

Das Modell wird schrittweise ausgerollt. Einzelne Details können sich vor dem vollständigen Launch oder mit ihm noch ändern. ByteDance erwartet ihn am 7. August 2026.

Längeres Single-Take-Video

Die zentrale Änderung ist die Länge. Seedance 2.5 hält eine durchgehende Einstellung weit über die kurzen Clips hinaus, die die meisten Modelle liefern. Ein vollständiger Reveal oder eine kurze Szene läuft damit in einer einzigen Einstellung ab, nicht in mehreren zusammengeschnittenen Clips. Schreiben Sie den Prompt deshalb als eine sich entwickelnde Bewegung. Beschreiben Sie darin, wie sich Motiv und Kamera über den gesamten Take bewegen. Ein einzelnes Standbild reicht dafür nicht.

Native 1080p-Ausgabe

Seedance 2.5 rendert nativ in 1080p: ein volles 1920x1080-Bild entsteht direkt, statt aus einem kleineren Render hochskaliert zu werden, vorher 720p zum Launch. Ein Clip landet damit in Full HD, fertig für Social, Web und Werbung, ohne separaten Upscale-Schritt und mit saubereren Kanten und Texturen als ein auf Größe gestreckter 720p-Render. Der Rest des Toolkits bleibt erhalten, sodass der volle 30-Sekunden-Take, nativer Ton und bis zu 50 Referenzen alle in 1080p in einem Durchgang ankommen.

Kontinuität durch Referenzen

Für einen konstanten Look setzt Seedance 2.5 auf multimodale Referenzen. Stellen Sie ein Bild einer Figur, eines Produkts oder eines Settings bereit. Das Modell trägt diesen Look dann durch den Clip und von Einstellung zu Einstellung. Pro Generierung nimmt es bis zu 50 Referenzeingaben an: 30 Bilder, 10 Videoclips und 10 Audiodateien. Auch einfache 3D-Whitebox-Modelle zählen dazu. Ein Team legt so Figur, Ort und Farbpalette gemeinsam fest. Genau das hält eine Sequenz wiedererkennbar, statt sie von Szene zu Szene abdriften zu lassen.

In-Clip-Editing und Erweiterung

Editing ist gezielt, kein komplettes Neu-Würfeln. Für eine einzelne Änderung an einem bestehenden Clip passen Sie nur dieses Element an; der Rest des Bildes bleibt stehen. Das geht schneller, als die ganze Einstellung neu zu generieren, und ein bereits gelungener Take geht nicht verloren. Per Timestamp steuern Sie zusätzlich einen Moment direkt an. Die Änderung landet dann nur dort, wo Sie sie haben wollen.

Die Erweiterung arbeitet hochwertig. Sie kann einen Clip über sein letztes Bild hinaus fortsetzen (vorwärts) oder den Moment vor seinem ersten Bild generieren (rückwärts). Ebenso baut sie eine Verbindung zwischen zwei Clips. Figur, Rhythmus und Stil bleiben dabei erhalten. Wie viele Sekunden dazukommen, legen Sie selbst fest.

KI-Kamerasteuerung mit Ton

Kamerabewegungen steuern Sie in einfacher Sprache: ein langsamer Push-in, eine niedrige Verfolgungsfahrt, ein Pull-back. Die Bewegung wirkt dann wie eine bewusste Kameraführung und nicht wie ein Zufall. Der native Ton entsteht im selben Durchgang. Eine Szene kommt also mit Raumton oder Effekten zurück und nicht stumm.

Nativer Ton und 10+ Sprachen

Ton entsteht im selben Durchgang. Eine Szene kommt mit Stimme, Musik oder Effekten bereits an Ort und Stelle zurück. Neu in 2.5 ist die Audio-only-Referenz: Eine einzelne Stimme, ein Musik- oder ein Soundeffekt-Track steuert damit Tempo, Beat-Matching und Lippensynchronität der Einstellung. Seedance 2.5 generiert zudem nativ in 10+ Sprachen und folgt Anweisungen genauer. Sie beschreiben eine Szene also in Ihrer eigenen Sprache und lokalisieren Voiceover und Titel gleich mit.

Seedance 2.5 belohnt zwei Dinge: ein klares Shot-Briefing und die Gewohnheit, Kontinuität über Referenzen zu lösen. Diese Praktiken machen den größten Unterschied:

• Schreiben Sie für einen durchgehenden Take. Beschreiben Sie, wie sich Motiv und Kamera über die ganze Länge der Einstellung entwickeln, nicht nur in einem Moment.
• Benennen Sie die Kamerabewegung. Ein konkreter „langsamer Push-in“ oder eine „niedrige Verfolgungsfahrt“ wirkt gezielt; „cinematic“ sagt dem Modell nichts.
• Legen Sie das Motiv mit einer Referenz fest. Ein klares Bild einer Figur, eines Produkts oder eines Settings trägt den Look durch den Clip, statt ihn abdriften zu lassen.
• Sagen Sie, wofür jede Referenz steht. Benennen Sie Figur, Setting und Farbpalette. Dann weiß das Modell, welche Referenz welchen Teil der Szene steuert.
• Nutzen Sie Referenzen über mehrere Einstellungen hinweg wieder. Derselbe Referenzsatz von Schnitt zu Schnitt hält eine Sequenz konsistent.
• Bauen Sie komplexe Kompositionen mit einer 3D-Whitebox auf. Eine einfache White-Model-Szene als Referenz legt Setting und Kameraweg fest, bevor Sie eine Berechnung darauf verwenden.
• Bearbeiten Sie direkt, statt neu zu würfeln. Für eine gezielte Korrektur an einem bestehenden Clip ändern Sie nur dieses Element.
• Steuern Sie den Rhythmus mit einer Audio-only-Referenz. Hängen Sie einen Musik- oder Stimm-Track an; daran richtet das Modell Tempo, Beats und Lippensynchronität aus.

Referenzen für stabile Ergebnisse auswählen

Mehr Referenzen sind nicht automatisch besser. Die Qualität hält ein fokussierter Satz:

• Bei Bildreferenzen bleiben die Hauptmotive bei 8 oder weniger. Auf 9–12 gehen Sie nur, wenn es sein muss.
• Bei einer Video- oder Audioreferenz bleiben die Motive bei 5 oder weniger. Zielen Sie auf einen Clip von 5 bis 10 Sekunden: lang genug, um lesbar zu sein, kurz genug, um sauber zu bleiben. Video-Referenzen kommen insgesamt auf 30 Sekunden, Audio-Referenzen ebenso.
• Bearbeiten Sie ein bestehendes Video, bleibt der Quellclip unter 20 Sekunden. Kombinieren Sie ihn mit 1 bis 5 Referenzbildern; auf 6–8 gehen Sie nur, wenn die Bearbeitung es erfordert.
• Bei fünf oder weniger Motiven funktionieren einzelne und mehrere Ansichten gleich gut. Ab fünf bevorzugen Sie Bilder mit einer einzelnen Ansicht oder laden separate Blickwinkel hoch, statt eines kombinierten Bildes. Separate Blickwinkelbilder halten sich besser als mehrere Ansichten in einem Bild.
• Priorisieren Sie in dieser Reihenfolge: Kernfiguren, dann zentrale Produkte oder Requisiten, dann die Szene, zuletzt den Gesamtstil.

Die vollständige Liste der Fähigkeiten und Spezifikationen finden Sie auf der Seedance-2.5-Modellseite.

Ein starker Video-Prompt liest sich wie ein kurzes Shot-Briefing, nicht wie eine Bildunterschrift. Das Modell bekommt dann ein Motiv, eine Bewegung und eine Kamera, mit denen es arbeiten kann, und kein Standbild in Worten. ByteDances eigener Prompt-Guide legt dafür eine feste Formel fest. Alles Weitere auf dieser Seite baut darauf auf.

Die Seedance-2.5-Prompt-Formel

Sechs Elemente, in dieser Reihenfolge. Was Sie nicht brauchen, lassen Sie weg:

Ausgeschrieben sind das vier kurze Zeilen:

[Subject] performs [primary action or event] in [scene and environment].
The visuals feature [visual style].
Use [shot size, camera angle, camera movement, or cuts].
Audio includes [dialogue, ambience, sound effects, or music].

Ein durchgerechnetes Beispiel:

A ceramic artist finishes a pale blue cup in a studio at dawn, lifts it from
the wheel, and places it in the center of a wooden shelf.
Soft morning light enters through the window. The wet clay has a delicate
sheen, and the workbench remains tidy.
Begin with a medium shot of the wheel-throwing process, slowly push in toward
the cup's surface texture, then cut to a frontal view of the shelf.
Retain the low hum of the pottery wheel, the friction of clay, and subtle
indoor ambience.

Bildformat, Dauer und die übrigen Generierungseinstellungen gehören nicht in den Prompt. Sie legen sie auf der Generierungsseite fest, nicht im Text.

Ton-, Dialog- und Untertitel-Syntax

Einfache Sprache funktioniert. Vier Klammertypen sagen Seedance 2.5 aber genau, welche Art von Ton oder Text Sie meinen. Sie sind der günstigste Weg, eine als Untertitel eingeblendete Dialogzeile oder einen laut vorgelesenen Soundeffekt zu verhindern.

Nennen Sie die Sprache vor jeder Zeile, die nicht auf Chinesisch ist. Greift das Modell weiter zur falschen Sprache, wiederholen Sie die Angabe. Das Muster lautet: Sprache, dann regionale Variante oder Akzent, dann Sprechstil, dann Sprecher, dann die Zeile:

Dialogue language: American English. The girl says in natural, conversational
American English: {I thought you weren't coming.}

Dieser letzte Teil zählt mehr, als er aussieht. Wer eine regionale Variante nennt, etwa „authentic Los Angeles English“ statt nur „English“, bekommt einen konkreten Vortrag statt einer neutralen Lesung.

Referenzen benennen und ihre Rolle festlegen

An den Referenzen setzt sich Seedance 2.5 von älteren Modellen ab. Hier scheitern auch die meisten schwachen Prompts. Ein Bild hochzuladen ist nur die halbe Anweisung: Der Prompt muss sagen, was dieses Bild beiträgt und was darin zu ignorieren ist:

@Image 1 defines the ceramic artist's facial features, hairstyle, and dark
green apron. Do not use the image background.
@Image 2 defines the wooden workbench, window placement, and morning light of
the pottery studio. Do not use the people in the image.
@Video 1 defines the pacing of throwing clay with both hands, lifting the cup,
and placing it down. Do not use the person's identity, clothing, or scene.

Drei Regeln tragen hier den größten Teil der Zuverlässigkeit:

• Binden Sie jeweils eine Referenz an ein Motiv. Schreiben Sie jede Zuordnung einzeln aus. Ein Satz wie „@Images 1 bis 4 definieren vier Figuren“ sagt nie, welches Bild zu welcher Figur gehört.
• Ergänzen Sie die Ausschlüsse. Hintergründe, Statisten und Kompositionen laufen sonst von einer Referenz einfach mit.
• Sagen Sie, wenn mehrere Bilder dieselbe Sache zeigen. Vier Ansichten derselben Lampe brauchen den Zusatz „alle vier Bilder definieren eine klappbare Schreibtischlampe, und die Ausgabe darf durchgehend nur eine Lampe enthalten“. Sonst bekommen Sie vier Lampen.

Trägt ein Referenzvideo bereits Bewegung und Kameraarbeit, benennen Sie nur die Eigenschaften, die übernommen werden sollen. Wer die Handlung erneut in Worten beschreibt, macht der angehängten Referenz Konkurrenz.

Viele Referenzen gleichzeitig steuern

Ab einer Handvoll Referenzen geht es nicht mehr um Beschreibung, sondern um Casting. Arbeiten Sie in dieser Reihenfolge: die Rolle jedes Materials festlegen, Motive zuordnen, nach Typ gruppieren, Profile für die wichtigen aufbauen, dann Referenzen pro Szene auswählen.

Eine Gruppierung hält auch lange Listen lesbar:

[Characters]
<Conservator> corresponds to @Image 1. Use only the appearance,
hairstyle, and clothing.
<Registrar> corresponds to @Image 2. Use only the appearance,
hairstyle, and clothing.
Do not interchange their appearances, clothing, actions, or dialogue.

[Props]
<Sample Case> corresponds to @Image 5 and belongs only to <Conservator>.

[Scenes]
<Conservation Lab> references @Image 7. Use only the space,
materials, and lighting.

Kehrt eine Figur in mehreren Szenen wieder, schreiben Sie ein Profil dafür. Es sammelt jede Referenz, die an sie gebunden ist, inklusive einer „nicht verwenden“-Zeile. Wählen Sie danach pro Szene aus. Jede Einstellung zieht dann nur die Referenzen, die sie braucht:

Scene 1 | Inspection in the Conservation Lab
Use: <Conservator>, <Sample Case>, <Conservation Lab>, and the
case-opening motion from @Video 1.
Event: <Conservator> opens <Sample Case> at the workbench and
inspects the sample inside.
End state: <Conservator> remains on the inner side of the workbench,
<Sample Case> beside their right hand.

Fünfzig Referenzen sind ein Casting-Pool, keine Einkaufsliste. Es geht darum, dem Modell für die jeweilige Einstellung die richtigen Materialien an die Hand zu geben. Alles gleichzeitig ins Bild zu bekommen, ist nicht das Ziel.

Auf Länge ist Seedance 2.5 gebaut. Ein 30-Sekunden-Take braucht deshalb eine andere Prompt-Form als ein Fünf-Sekunden-Take. Für die Edit- und Erweiterungsmodi gilt dasselbe: Sie arbeiten auf dem Clip, den Sie bereits haben, und nicht auf einem leeren Bild.

Ein 30-sekündiges Seedance-2.5-Video schreiben

Teilen Sie die Geschichte in aufeinanderfolgende Stufen. Jede Stufe bekommt genau eine Hauptänderung. Legen Sie dazu fest, was am Ende sichtbar sein soll: Dieser Endzustand trägt die Kontinuität von einer Stufe zur nächsten.

[Generation Goal]
Generate an instructional video showing a flower shop's order-packing process.

[Stage 1]
Initial state: <Florist> stands behind the workbench. Loose stems,
scissors, and wrapping paper lie on the tabletop.
Primary event: <Florist> arranges the stems and trims them to length.
End state: <Florist> holds the bouquet in the left hand, scissors
back on the right of the workbench.

[Stage 2]
Continue from the previous stage: both characters keep the same
identities and clothing.
Primary event: <Store Assistant> unfolds the wrapping paper,
<Florist> places the bouquet inside and ties it.
End state: the wrapped bouquet lies flat in the center of the
workbench, bow facing camera.

[Maintain Consistency]
Keep character identities, clothing, prop ownership, and workbench
orientation consistent.

Timing und Tempo

Stufen sind der Standardweg. Zu Timestamps greifen Sie nur, wenn eine Übergabe, ein Auftritt, ein Übergang oder ein Beat an einem bestimmten Moment landen muss.

Halten Sie Zeitbereiche aufeinanderfolgend und überschneidungsfrei. Sie sind Zeitbudgets, keine Schnittpunkte; eine Aktion kann also leicht auf beiden Seiten einer Grenze landen. Zu wenig Inhalt in einem Bereich gibt dem Modell Raum zum Abschweifen. Zu viel führt zu gehetzten Schnitten oder ausgelassenen Ereignissen. Drei Aktionen in einer Sekunde funktionieren nicht.

Einen bestehenden Clip bearbeiten

Ein Edit ist ein Patch, kein neuer Prompt. Benennen Sie den Quellclip als alleinige Referenz. Legen Sie den Umfang der Änderung fest. Und listen Sie auf, was sich nicht bewegen darf:

[Edit Goal]
Edit @Video 1. Only from 4-7 seconds, change the cool blue light on
the right wall to warm orange light.

[Source Video Role]
@Video 1 is the sole editing master. It defines the character, room
layout, actions, composition, camera movement, audio, and event order.

[Edit Scope]
Change only the light color on the right wall and the area it
illuminates. Allow skin tone to respond naturally.

[Content to Preserve]
Keep the character's identity, clothing, expression, position, motion,
room structure, camera movement, dialogue, and ambience from @Video 1.

Ein Motiv auszutauschen braucht einen weiteren Block, und genau den vergessen die meisten. Der Ersatz muss die Timeline des Originals übernehmen: jedes Auftreten, jede Bewegung, jede Verdeckung, jeden Abgang, und das mit demselben Timing, Pfad und Tempo. Fehlt der Block, landet das neue Objekt im richtigen Bild, aber im falschen Rhythmus. Ein Hintergrundtausch funktioniert genauso; er gilt für alles außerhalb der Silhouette des Motivs.

Audio-Edits stehen getrennt von visuellen. Benennen Sie den Sprecher oder die Klangkategorie, dann die Änderung, dann das, was bleiben soll. Die Musik zu entfernen und dabei Dialog, Lippensynchronität, Ambiente und Effekte zu behalten, ist eine einzige Anweisung.

Einen Clip vorwärts oder rückwärts erweitern

Eine Erweiterung setzt neues Material an ein Grenzbild an. Beschreiben Sie deshalb erst dieses Bild und dann die neue Handlung. Vorwärts setzt das erste Bild der Erweiterung direkt am letzten Bild der Quelle an. Rückwärts muss das letzte Bild der Erweiterung genau beim ersten Bild der Quelle ankommen:

@Video 1 is the source video to extend forward.

Extend @Video 1 forward. The first frame of the extended segment directly
continues from the last frame of @Video 1. Maintain the same locked-off medium
shot, the paper airplane's position and orientation, the classroom-window
background, the afternoon lighting, and its movement toward frame right.

Then, the paper airplane continues gliding right and exits the frame while the
curtain beside the window sways slightly.

Rückwärts-Erweiterungen brauchen eine zusätzliche Absicherung. Sagen Sie, welches Material ausschließlich zum Originalclip gehört. Sonst tauchen Figuren oder Requisiten, die eigentlich erst später erscheinen sollen, schon früh im neu generierten Segment auf. Auf „an das Quellvideo anschließen“ allein sollten Sie sich ebenfalls nicht verlassen: Legen Sie das erste Bild der Quelle explizit als Endzustand fest. Sonst verändert sich das Bild weiter, obwohl es längst angekommen ist.

Feste Einstellungen, die Sie nicht überschreiben können

Editing, Erweiterung und die Generierung aus erstem oder erstem und letztem Bild legen jeweils einige Parameter fest. Maßgeblich ist dafür das Material, das Sie eingespeist haben.

Der praktische Haken liegt bei der Arbeit mit erstem und letztem Bild. Geben Sie beiden Bildern dasselbe Bildformat. Sonst wird das letzte Bild gestreckt, damit es zum ersten passt.

Keyframes, Storyboards und 3D-Blockouts

Sie können Seedance 2.5 die Struktur einer Einstellung vorgeben, statt sie zu beschreiben. Vier Wege, in steigender Kontrolle:

• Erstes und letztes Bild. Sagen Sie in der ersten Zeile, welches Bild das erste und welches das letzte ist. Beschreiben Sie danach die eine durchgehende Handlung dazwischen. Jeder Ankerpunkt braucht seine eigene Beschreibung; ein zusammengefasstes „diese beiden sind das erste und letzte Bild“ bindet keinen von beiden.
• Mehrfach-Keyframe-Sequenzen. Beginnen Sie mit „verwende @Image 1 bis @Image N als Keyframes in dieser Reihenfolge“. Beschreiben Sie dann den zentralen Zustand, den jedes Bild darstellt. Getrennte Bilder funktionieren besser als mehrere Bilder in einem Raster. Und sie steuern die Reihenfolge der Stufen, statt jedes Bild exakt zu reproduzieren.
• Storyboard-Raster. Ein Raster vermittelt Reihenfolge und grobe Komposition der Einstellungen, kein exaktes Detail. Halten Sie es unter etwa 15 Panels und verwenden Sie klare Strichzeichnungen. Setzen Sie Textlabels sparsam ein, geben Sie die Leserichtung an, und schließen Sie den eigenen Stil des Rasters aus: Sonst landet die Strichzeichnung im Rendering.
• 3D-Blockouts. Ein grobes Blockout trägt das Timing: Wege, Blocking, Kamerabewegung, Schnittpunkte, Lichtwechsel, Klangrhythmus. Ordnen Sie jede graue Form namentlich ihrem finalen Motiv zu. Ein feines Blockout hat bereits vollständige Strukturen. Es dient deshalb dazu, Materialien, Figuren, Szenen und Stil neu zu rendern, während Struktur und Kameraarbeit erhalten bleiben. Entfernen Sie daraus zuerst Pfadlinien, Koordinatenachsen und Kamerafrustren, sonst werden sie mitgerendert.

Performance und Emotion steuern

Emotionswörter geben eine Richtung vor, lassen die schauspielerische Umsetzung aber offen. Präziser wird es, wenn Sie benennen, was ein Zuschauer tatsächlich sieht oder hört: Augenbewegung, Anspannung der Brauen, Mundbewegung, Atmung, Blickrichtung, Handbewegung. Für eine einzelne emotionale Wendung reichen meist zwei bis vier Hinweise. Jedes Detail der Mimik müssen Sie nie auflisten.

Die Standardform: ein Auslöser, eine unmittelbare Reaktion, eine allmähliche Veränderung, dann der endgültige Ausdruck:

The overall emotion shifts from [starting emotion] to [ending emotion].
After [triggering event], [subject] first shows [immediate observable reaction].
Then, [eyes, brows, mouth, breathing, gaze, or hand movement] gradually [changes].
Finally, [subject] expresses [target emotion] through [outward behavior].

Wendet sich eine Emotion mehrfach, verketten Sie sie stattdessen mit Ereignissen. Jede neue Sache, die die Figur hört oder sieht, bewegt die Performance einen Schritt weiter.

Kamerasprache, die Seedance 2.5 versteht

Standardvokabular schreiben Sie direkt in den Prompt: Einstellungsgrößen von extremer Weitwinkel bis extreme Nahaufnahme; Push-in, Pull-out, Schwenk, seitliche Bewegung, Verfolgung, Orbit, Sturzflug, Dolly-out, Neigung nach oben, Handkamera-Wackeln; niedriger Winkel, Vogelperspektive, Ich-Perspektive.

Auch beliebte Techniken funktionieren. Sagen Sie dazu, für welches Motiv sie gelten und wo die Bewegung beginnt und endet. Ein One-Take braucht die Räume, die er der Reihe nach durchquert. Ein Dolly-Zoom braucht eine konstante Motivgröße und die Richtung, in die sich der Hintergrund bewegen soll. Bullet-Time braucht die eingefrorene Handlung und die Orbit-Richtung. Ein Speed-Ramp braucht die Stelle, an der die Handlung beschleunigt, und die, an der sie sich beruhigt.

Kennt das Modell einen Begriff womöglich nicht, oder verwendet die Branche ihn uneinheitlich, behalten Sie den Begriff bei und übersetzen ihn in die sichtbare Veränderung:

Rack focus: shift focus smoothly from the leaves in the foreground to the
person in the background. The leaves gradually blur while the person's face
changes from soft to sharp.

Blende, Brennweite und Verschlusswerte sind erlaubt. Die klarere Anweisung ist aber fast immer das sichtbare Ergebnis, das Sie wollen.

Checkliste vor der Generierung

Gehen Sie das hier durch, bevor Sie die Generierung starten:

• Motiv und Haupthandlung sind klar benannt.
• Jede Referenz sagt, was zu verwenden ist und was nicht.
• Jede einzelne Figur, jedes Produkt und jede Requisite ist benannt und an eine Referenz gebunden.
• Referenzen sind pro Szene ausgewählt und nicht in jede Einstellung gezwungen.
• Jede Stufe eines langen Videos hat eine Hauptänderung und einen klaren Endzustand.
• Figurenzahl, Kleidung, Requisiten-Zuordnung und räumliche Bezüge bleiben konsistent.
• Edits benennen die alleinige Referenz, den Umfang und den zu erhaltenden Inhalt.
• Emotionen und ungewöhnliche Kamerabegriffe kommen mit beobachtbaren Hinweisen.
• Erstes und letztes Bild teilen sich ein Bildformat, und jeder Keyframe hat eine Rolle.
• Erweiterungen haben ein geprüftes Grenzbild, einen Bewegungstrend und Ton-Kontinuität.

Was Seedance 2.5 nicht präzise leistet

Das sollten Sie wissen, bevor Sie eine Einstellung darauf aufbauen:

• Timestamps teilen Ereignissen Zeit zu. Bildgenaue Schnittpunkte sind sie nicht.
• Ein Edit erhöht die Chance, dass Ereignisse mit dem Quellclip übereinstimmen. Eine bildgenaue Deckung garantiert er nicht.
• Ein fließender Übergang zielt auf visuelle und akustische Kontinuität. Beide Quellclips bleiben dabei nicht pixelgenau erhalten.
• Untertitel, Formeln, Beschilderung und Produktspezifikationen, die exakt stimmen müssen, bleiben weiterhin Aufgabe der Postproduktion. Generieren Sie die Einstellung und setzen Sie den Text nachträglich ein.

Schwache vs. starke Prompts

Benennen Sie die Kamera, die Bewegung über die Zeit und die Rolle jeder Referenz. Dem Zufall überlassen sollten Sie nichts davon.

Häufige Fehler

• Ein Standbild beschreiben: Ein Videomodell braucht Bewegung über die Zeit, kein Foto in Worten.
• Vage Kamera: „cinematic“ sagt dem Modell nichts. Benennen Sie die Einstellung und eine Bewegung.
• Eine ganze Sequenz ohne Stufen in einen Prompt quetschen: Die Ereignisse kollidieren dann, statt aufeinanderzufolgen.
• Referenzen unbeschriftet lassen oder als Gruppe zusammenfassen: Das Modell muss dann raten, welche die Szene steuert.
• Die Ausschlüsse vergessen: Hintergrund oder Statisten einer Referenz werden dann zusammen mit dem Motiv übernommen.